Imaginez une toile immense, explosant de couleurs vibrantes, des éclaboussures et des coulures témoignant d'une énergie brute et instinctive. C'est l'expressionnisme abstrait, un mouvement artistique qui a radicalement transformé le paysage de l'art moderne au XXe siècle. Il s'agit d'une rupture audacieuse avec les conventions picturales traditionnelles, privilégiant l'expression subjective, l'exploration de l'inconscient et l'expérimentation de nouvelles techniques.
La genèse d'une révolution
L'expressionnisme abstrait a émergé dans un contexte historique particulier, profondément marqué par les traumatismes de la Seconde Guerre Mondiale. La désillusion, l'angoisse existentielle et une intense quête de sens imprégnaient l'atmosphère de l'époque, influençant les créations des artistes. L'immigration massive d'artistes européens fuyant la guerre vers les États-Unis, et en particulier à New York, a joué un rôle crucial dans le développement et l'épanouissement de ce mouvement novateur. En 1947, le nombre d'artistes travaillant dans un style abstrait à New York a augmenté de près de 40% par rapport à 1940, signe d'un intérêt croissant pour cette forme d'expression. Le contexte socio-politique de la Guerre Froide a également influencé l'évolution de l'expressionnisme abstrait, devenant un symbole de la liberté d'expression occidentale face au réalisme socialiste.
L'expressionnisme abstrait peut être défini comme un mouvement pictural qui privilégie l'expression subjective et émotionnelle par des moyens non figuratifs. L'artiste utilise la couleur, la ligne, la texture et le geste pour traduire ses états d'âme et ses expériences intérieures. Contrairement à d'autres mouvements abstraits précédents, tels que le cubisme ou le suprématisme, l'expressionnisme abstrait met l'accent sur la spontanéité, l'improvisation et l'acte de peindre lui-même. Le tableau n'est plus considéré comme une simple fenêtre sur le monde, mais plutôt comme un espace d'expression brute, de performance artistique et de révélation de l'inconscient. Les toiles deviennent des champs de bataille où l'artiste affronte ses propres démons et cherche à atteindre une vérité émotionnelle.
Les racines philosophiques et artistiques de l'expressionnisme abstrait
L'expressionnisme abstrait, ce mouvement phare de l'art du XXe siècle, puise ses sources dans une multitude d'influences artistiques et philosophiques, tant européennes qu'américaines. Ces influences variées ont façonné les principes esthétiques fondamentaux et les préoccupations conceptuelles centrales du mouvement, donnant naissance à une nouvelle forme d'expression artistique.
Influences européennes
Plusieurs mouvements artistiques européens, tels que le surréalisme, l'expressionnisme allemand et le cubisme, ont préparé le terrain fertile à l'émergence de l'expressionnisme abstrait. Le surréalisme, avec son exploration de l'inconscient, son intérêt pour l'automatisme psychique et son rejet de la raison, a exercé une influence majeure sur les artistes de l'expressionnisme abstrait. L'expressionnisme allemand, quant à lui, a apporté sa sensibilité exacerbée à l'angoisse, à la déformation de la réalité et à la force émotionnelle brute. Le cubisme, enfin, a contribué à la déconstruction progressive de la forme et à l'abstraction croissante. André Breton, figure emblématique du surréalisme, a d'ailleurs déménagé à New York en 1941, où il a continué à diffuser et à promouvoir les idées du mouvement surréaliste.
- Surréalisme : importance de l'inconscient, de l'automatisme psychique et du rêve dans la création artistique.
- Expressionnisme Allemand : expression de l'angoisse, de la subjectivité et de la déformation de la réalité.
- Cubisme : déconstruction de la forme, fragmentation de l'espace et abstraction progressive.
Il est également essentiel d'approfondir l'influence du philosophe existentialiste Jean-Paul Sartre et de sa notion d'authenticité sur les artistes de l'expressionnisme abstrait. L'idée centrale de l'existentialisme, selon laquelle l'existence précède l'essence et que l'individu est entièrement responsable de ses propres choix et de la définition de son être, a trouvé un écho puissant dans la quête d'expression personnelle, de liberté créative et d'authenticité qui caractérise ce mouvement artistique. L'artiste expressionniste abstrait cherche à exprimer sa subjectivité profonde, sans se soucier des conventions ou des normes établies.
Influences américaines
L'art américain a également joué un rôle important dans la formation de l'expressionnisme abstrait. Le "Regionalism", ce mouvement artistique qui mettait en avant la représentation de la vie rurale américaine, et les artistes comme Thomas Hart Benton, qui a été le professeur de Jackson Pollock, ont influencé ce dernier dans sa jeunesse. L'intérêt grandissant pour les arts primitifs, les cultures amérindiennes et l'art précolombien, notamment à travers le travail de collectionneurs passionnés comme Peggy Guggenheim, a également contribué à élargir le vocabulaire formel et symbolique des artistes expressionnistes abstraits. Peggy Guggenheim, figure clé du monde de l'art, a ouvert sa galerie novatrice, "Art of This Century", à New York en 1942, exposant de nombreux artistes européens et américains d'avant-garde, et contribuant ainsi à la promotion de l'expressionnisme abstrait. Le Musée d'Art Moderne (MoMA) de New York a également commencé à collectionner et à exposer des œuvres d'expressionnistes abstraits, renforçant ainsi la légitimité du mouvement.
- Regionalism : Représentation de la vie rurale et de l'identité américaine.
- Arts primitifs : Inspiration formelle, symbolique et spirituelle tirée des cultures non occidentales.
L'impact du "Workshop" de David Alfaro Siqueiros à New York, un lieu d'expérimentation artistique et d'échange d'idées pour les jeunes artistes, mérite également d'être souligné. Siqueiros, un muraliste mexicain engagé politiquement, a encouragé les artistes à expérimenter audacieusement avec de nouvelles techniques picturales, de nouveaux matériaux et de nouvelles formes d'expression, contribuant ainsi à l'émergence de nouvelles approches dans l'art abstrait. Le Workshop a permis à des artistes comme Pollock d'explorer des techniques comme le "dripping" et d'autres méthodes innovantes.
Le rôle de l'art critique
Des critiques d'art influents tels que Clement Greenberg et Harold Rosenberg ont joué un rôle essentiel dans la définition, l'interprétation et la promotion de l'expressionnisme abstrait. Leurs théories ont suscité des controverses passionnées et ont eu un impact considérable sur la réception du mouvement par le public et le monde de l'art. Clement Greenberg, par exemple, a été un ardent défenseur de l'abstraction formaliste, arguant que la peinture devait se concentrer sur ses propres propriétés formelles et autonomes, telles que la couleur, la forme et la surface. Il considérait que l'art devait s'éloigner de la représentation narrative et de l'illusionnisme.
- Clement Greenberg : Défenseur de l'abstraction formaliste et de l'autonomie de la peinture.
- Harold Rosenberg : Accent sur l'acte de peindre comme une performance existentielle et une expression de la subjectivité de l'artiste.
Il est crucial d'analyser les arguments opposés à la domination de la critique Greenbergienne et les tentatives de réhabilitation d'autres lectures et interprétations de l'expressionnisme abstrait. Certains critiques ont reproché à Greenberg son formalisme jugé excessif, son manque d'attention au contenu émotionnel et social des œuvres, et son approche parfois considérée comme trop prescriptive. D'autres critiques ont cherché à mettre en valeur la dimension existentielle, psychologique et politique de l'expressionnisme abstrait, en soulignant l'importance de l'expérience personnelle de l'artiste et des contextes sociaux et culturels dans lesquels les œuvres ont été créées. Irving Sandler, par exemple, a offert une perspective alternative à Greenberg.
Caractéristiques essentielles et styles individuels
L'expressionnisme abstrait, malgré sa grande diversité et la variété des approches individuelles des artistes, se caractérise par un certain nombre de principes clés et de traits distinctifs. Ces principes se manifestent différemment dans les styles individuels des artistes qui ont contribué à façonner ce mouvement révolutionnaire.
Les principes clés
Plusieurs principes fondamentaux définissent l'essence même de l'expressionnisme abstrait. Le rejet radical de la représentation figurative, c'est-à-dire l'abandon de toute tentative de représenter des objets ou des figures reconnaissables du monde réel, est l'un des piliers du mouvement. L'expression subjective intense, la spontanéité du geste pictural et l'improvisation créative sont également des éléments essentiels. Les tableaux expressionnistes abstraits avaient souvent des dimensions monumentales, pouvant atteindre 2,5 mètres de hauteur ou plus, créant ainsi un environnement immersif pour le spectateur. La technique de l'"all-over painting", popularisée par Jackson Pollock, consistait à recouvrir la totalité de la surface de la toile de motifs et de couleurs, sans point focal central ni hiérarchie visuelle, créant ainsi une surface picturale unifiée et dynamique. Les artistes utilisaient divers outils, comme des pinceaux, des couteaux à palette, ou laissaient directement la peinture couler.
- Abstraction : Rejet de la représentation figurative et exploration des formes non objectives.
- Expression subjective : Primauté de l'émotion, de l'expérience personnelle et de l'inconscient de l'artiste.
- Spontanéité et improvisation : L'acte de peindre comme une performance instinctive et un processus de découverte.
- Échelle monumentale : Le tableau comme un environnement immersif qui englobe le spectateur.
Il est essentiel de comprendre le concept de "all-over painting" et son importance cruciale dans la création d'une surface picturale unifiée et dynamique. Cette technique, qui consiste à recouvrir la totalité de la toile de motifs, de couleurs et de textures, sans point focal ni hiérarchie visuelle, permet à l'artiste de créer un espace pictural où tous les éléments sont interdépendants et contribuent à l'ensemble. Pollock a commencé à expérimenter cette technique vers 1947.
Action painting (jackson pollock, willem de kooning)
L'Action Painting, incarnée par les figures emblématiques de Jackson Pollock et de Willem de Kooning, est sans aucun doute l'une des branches les plus connues et les plus influentes de l'expressionnisme abstrait. Jackson Pollock est célèbre dans le monde entier pour sa technique révolutionnaire du "dripping", qui consiste à projeter, à éclabousser et à faire couler la peinture directement sur la toile posée à plat sur le sol. De Kooning, quant à lui, est surtout connu pour son style gestuel énergique, sa touche expressive et ses compositions souvent violentes, notamment dans sa série controversée de "Women", qui explore les thèmes de la féminité, de la sexualité et de l'agression. Pollock a réalisé plus de 170 œuvres en utilisant la technique du dripping entre 1947 et 1950, marquant ainsi une période d'intense créativité et d'expérimentation. Une de ses toiles les plus célèbres, "Number 1, 1950 (Lavender Mist)", mesure 221 x 299,7 cm.
- Jackson Pollock : Technique révolutionnaire du "dripping" et exploration du hasard et de la spontanéité.
- Willem de Kooning : Style gestuel énergique, compositions dynamiques et exploration des thèmes de la féminité et de l'identité.
Il est particulièrement intéressant de comparer l'approche "performative" de Pollock et de de Kooning, en soulignant les différences subtiles mais significatives dans leur tempérament, leur style et leur expression artistique. Pollock semblait se fondre complètement dans son travail, entrant dans une sorte de transe créative, tandis que de Kooning conservait une certaine distance critique et une maîtrise consciente de son geste pictural.
Colour field painting (mark rothko, barnett newman, clyfford still)
Le Colour Field Painting, représenté par les artistes majeurs Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still, se distingue de l'Action Painting par son approche plus contemplative, sa simplification des formes et son accent mis sur la couleur comme principal vecteur d'expression émotionnelle. Mark Rothko cherchait à créer une expérience spirituelle et méditative intense à travers ses peintures composées de vastes rectangles colorés superposés, qui semblent vibrer et irradier une lumière intérieure. Barnett Newman, avec ses lignes verticales singulières, appelées "zips", explorait des thèmes métaphysiques profonds, tels que la transcendance, l'infini et la condition humaine. Les œuvres de Clyfford Still se distinguent par leur abstraction austère, leur monumentalité imposante et leur exploration des textures et des surfaces irrégulières. Rothko a créé plus de 800 peintures entre 1949 et 1969, explorant les nuances subtiles et les variations infinies de la couleur. En 2012, une peinture de Barnett Newman, "Onement VI", s'est vendue pour 43,8 millions de dollars aux enchères.
- Mark Rothko : Vastes rectangles colorés superposés et recherche d'une expérience spirituelle intense.
- Barnett Newman : Lignes verticales ("zips") et exploration des thèmes métaphysiques de la transcendance et de l'infini.
- Clyfford Still : Abstraction austère, monumentalité et exploration des textures et des surfaces irrégulières.
Il est pertinent d'approfondir la dimension philosophique et religieuse sous-jacente à la peinture de Rothko et Newman. Leurs œuvres peuvent être interprétées comme des tentatives de transcender le monde matériel, d'atteindre une forme de spiritualité laïque et de communiquer avec l'essence même de l'existence.
Autres figures importantes
Outre les artistes majeurs tels que Pollock, de Kooning, Rothko, Newman et Still, d'autres figures ont joué un rôle essentiel dans le développement et l'épanouissement de l'expressionnisme abstrait. Adolph Gottlieb est connu pour ses "bursts", compositions picturales qui opposent des formes géométriques à des masses de couleur explosives, et ses images d'inspiration primitive. Robert Motherwell est célèbre pour sa série poignante "Elegy to the Spanish Republic", qui exprime son engagement politique et sa solidarité avec le peuple espagnol pendant la guerre civile. Franz Kline est reconnu pour ses compositions en noir et blanc puissantes, dynamiques et gestuelles, qui évoquent les structures urbaines et les paysages industriels. Environ 30% des artistes exposés dans les galeries d'art de New York dans les années 1950 étaient des femmes.
- Adolph Gottlieb : "Bursts" et exploration des images d'inspiration primitive.
- Robert Motherwell : Série "Elegy to the Spanish Republic" et engagement politique.
- Franz Kline : Compositions en noir et blanc puissantes et gestuelles.
Il est particulièrement important de mettre en lumière le rôle souvent négligé ou minimisé des femmes artistes dans l'expressionnisme abstrait, telles que Lee Krasner et Helen Frankenthaler, et de rendre compte des obstacles et des discriminations qu'elles ont rencontrés dans un monde de l'art largement dominé par les hommes. Lee Krasner, par exemple, a développé un style personnel distinct, caractérisé par des compositions dynamiques, des couleurs vives et une gestuelle expressive. Helen Frankenthaler, quant à elle, est connue pour sa technique du "soak-stain", qui consiste à diluer la peinture et à la verser directement sur la toile brute, créant ainsi des effets de transparence et de fusion des couleurs. "Mountains and Sea" d'Helen Frankenthaler, peint en 1952, est un exemple remarquable de cette technique.
L'impact et l'héritage de l'expressionnisme abstrait
L'expressionnisme abstrait a exercé un impact profond et durable sur l'histoire de l'art, la culture et la société. Il a contribué de manière significative à faire de New York le nouveau centre de l'art mondial, déplaçant ainsi l'hégémonie artistique de Paris. Il a également influencé de nombreuses générations d'artistes, tout en suscitant des critiques et des remises en question.
La domination de new york
L'expressionnisme abstrait a joué un rôle central dans le déplacement de l'hégémonie artistique de Paris à New York, faisant de la ville américaine le nouveau carrefour de l'art moderne et contemporain. Le Museum of Modern Art (MoMA) de New York et les nombreuses galeries d'art avant-gardistes de la ville ont joué un rôle crucial dans la promotion et la diffusion du mouvement expressionniste abstrait à travers le monde. Le MoMA a organisé une grande exposition rétrospective consacrée à l'expressionnisme abstrait en 1951, contribuant ainsi à sa reconnaissance et à sa légitimation internationale. Le financement de la promotion de l'expressionnisme abstrait par la CIA pendant la guerre froide est un sujet controversé.
- Déplacement de l'hégémonie artistique de Paris à New York et émergence de New York comme nouveau centre de l'art mondial.
- Rôle crucial du Museum of Modern Art (MoMA) et des galeries d'art new-yorkaises dans la promotion et la diffusion du mouvement.
Il est important d'évoquer les enjeux géopolitiques complexes liés à la promotion active de l'expressionnisme abstrait par les États-Unis pendant la Guerre Froide. Le mouvement a été perçu et utilisé par certains comme une "arme culturelle" pour promouvoir les valeurs américaines de liberté d'expression, d'individualisme et de créativité face à l'idéologie du réalisme socialiste promue par l'Union Soviétique.
Influence sur les générations suivantes
L'expressionnisme abstrait a exercé une influence considérable sur les mouvements artistiques qui ont suivi, tels que le Pop Art, le Minimalisme, l'Art Conceptuel et l'art post-moderne. De nombreux artistes ont repris, réinterprété, parodié ou critiqué l'héritage de l'expressionnisme abstrait dans leurs œuvres. Andy Warhol, figure emblématique du Pop Art, a par exemple parodié l'expressionnisme abstrait dans ses sérigraphies, en utilisant des images issues de la culture populaire et de la publicité. L'artiste minimaliste Donald Judd a réagi contre l'expressivité subjective de l'expressionnisme abstrait en créant des objets géométriques simples et neutres. Jasper Johns a intégré des éléments de l'expressionnisme abstrait dans ses peintures de drapeaux et de cibles.
- Influence considérable sur le Pop Art, le Minimalisme, l'Art Conceptuel et l'art post-moderne.
- Reprise, réinterprétation, parodie et critique de l'héritage de l'expressionnisme abstrait par de nombreux artistes.
Il est essentiel d'analyser en profondeur la manière dont l'expressionnisme abstrait a contribué à la dématérialisation progressive de l'art, c'est-à-dire au déplacement de l'attention de l'objet physique vers l'idée, le concept et le processus créatif. Cette tendance a préparé le terrain à l'émergence de l'art conceptuel et de l'art performance.
Critiques et remises en question
L'expressionnisme abstrait a fait l'objet de nombreuses critiques et de remises en question virulentes, notamment en raison de son caractère perçu comme individualiste, élitiste, hermétique et dépourvu de contenu politique explicite. Certains critiques ont remis en question le mythe de l'artiste génial, solitaire et inspiré, et ont dénoncé l'idéologie de la subjectivité absolue qui sous-tend le mouvement. Un critique influent de l'époque, Thomas Craven, a qualifié l'expressionnisme abstrait de "décadence culturelle" et de "supercherie intellectuelle" en 1952. La critique féministe a également critiqué l'exclusion des femmes artistes et la glorification d'une masculinité hégémonique.
- Critiques concernant le caractère individualiste, élitiste et hermétique du mouvement.
- Remise en question du mythe de l'artiste génial et de la subjectivité absolue.
Il est crucial d'examiner les critiques postcoloniales de l'expressionnisme abstrait et son association possible avec l'impérialisme culturel américain et la domination du monde de l'art par les institutions occidentales. Ces critiques soulignent que l'expressionnisme abstrait a été promu comme un symbole de la liberté et de la créativité américaines, tout en ignorant les voix et les perspectives des artistes issus des cultures non occidentales. Le prix moyen d'un tableau d'expressionnisme abstrait a considérablement augmenté depuis les années 1950.
