Appropriation artistique : réinventer des œuvres existantes pour créer du neuf

Appropriation conceptuelle

L'appropriation conceptuelle se concentre sur l'emprunt d'une idée, d'un concept, d'un style ou d'une technique plutôt que sur la reproduction directe d'une œuvre existante. L'œuvre finale peut être très différente de l'œuvre source, mais elle conserve un lien conceptuel qui invite à la réflexion sur l'origine de l'inspiration. L'artiste s'approprie l'essence de l'œuvre, la transforme et la réinvente dans un nouveau contexte, lui conférant ainsi une nouvelle signification et une nouvelle pertinence. Cette forme d'appropriation met l'accent sur l'idée plutôt que sur la forme.

Un exemple notable d'appropriation conceptuelle est l'œuvre de Barbara Kruger, artiste américaine née en 1945. Kruger utilise le langage publicitaire, combiné à des photographies souvent en noir et blanc, pour créer des œuvres percutantes qui dénoncent les stéréotypes de genre, la société de consommation et le pouvoir des médias. Elle s'approprie l'esthétique de la publicité, avec ses slogans accrocheurs et ses images choc, pour subvertir son message et interpeller le spectateur sur les réalités sociales et politiques. Son travail a été exposé dans plus de 200 musées à travers le monde.

Appropriation visuelle (transformation directe)

L'appropriation visuelle, également appelée transformation directe, implique la reproduction, la modification, le collage ou la réinterprétation d'images ou d'œuvres existantes. L'artiste s'approprie l'image elle-même et la transforme pour créer une nouvelle œuvre qui porte sa propre empreinte. Cette forme d'appropriation soulève souvent des questions de droit d'auteur et de respect de l'œuvre originale, car elle implique une utilisation directe du matériau visuel existant. Il est donc crucial de déterminer si la transformation est suffisamment significative pour justifier l'appropriation.

L'exemple emblématique de Sherrie Levine, avec ses photographies de photographies de Walker Evans, illustre parfaitement l'appropriation visuelle. En photographiant les œuvres d'Evans, Levine soulève des questions sur la notion d'originalité, la reproduction mécanique et le rôle de l'auteur. Elle s'approprie l'image pour en faire une nouvelle œuvre qui remet en question les conventions artistiques. Il s'agit d'une "reproduction de la reproduction", qui déconstruit l'aura de l'œuvre originale et interroge notre perception de l'art. Levine a également photographié des œuvres de peintres célèbres tels que Monet et Mondrian.

Remix et mashup

Le remix et le mashup consistent à combiner différentes œuvres, images ou sons pour créer une nouvelle œuvre. Cette forme d'appropriation met l'accent sur l'aspect collaboratif et la transformation de sens. L'artiste s'approprie des éléments de différentes sources et les assemble pour créer une œuvre hybride qui transcende les frontières des genres et des disciplines. Le remix et le mashup sont des pratiques courantes dans la musique, mais ils sont également présents dans les arts visuels, le cinéma et la littérature. En 2005, le site web YouTube a été lancé, permettant à des millions de personnes de partager et de remixer des vidéos.

Les mashups musicaux, qui combinent par exemple un morceau de musique classique avec un morceau de hip-hop, sont une illustration courante du remix. De même, certaines créations artistiques utilisent des assets de jeux vidéo pour créer des installations ou des performances qui interrogent notre relation à la technologie et à la culture numérique. Ces pratiques s'appuient sur l'appropriation et la transformation pour créer de nouvelles expériences artistiques, souvent interactives et participatives. Le festival Ars Electronica, qui a lieu chaque année en Autriche, est un exemple de plateforme qui promeut ce type de créations.

Parodie et satire

La parodie et la satire utilisent l'appropriation pour critiquer, commenter ou déconstruire une œuvre ou un concept. L'artiste s'approprie l'œuvre originale pour la détourner de son sens premier et la charger d'un nouveau message, souvent humoristique ou subversif. La parodie et la satire sont des outils puissants de critique sociale et politique, car elles permettent de dénoncer les injustices et les absurdités de notre monde de manière créative et accessible. La parodie est souvent utilisée dans les émissions de télévision et les films comiques.

Les détournements d'images publicitaires de Banksy, artiste de street art britannique dont l'identité reste inconnue, qui visent à dénoncer la société de consommation, sont un exemple frappant de parodie et de satire. Banksy s'approprie les codes de la publicité pour en subvertir le message et interpeller le spectateur sur les dérives du capitalisme. Son travail souligne la force de l'appropriation pour éveiller les consciences et provoquer le débat. En 2018, Banksy a auto-détruit une de ses œuvres lors d'une vente aux enchères, suscitant une vive émotion dans le monde de l'art.

• Utilisation de l'humour et de l'ironie
• Dénonciation des injustices sociales
• Remise en question des normes établies

Sampling et réappropriation culturelle

Le sampling et la réappropriation culturelle consistent à emprunter des éléments culturels d'une autre culture. Cette forme d'appropriation est particulièrement sensible et complexe, car elle soulève des questions de respect, d'intention et de contexte. Il est crucial de différencier l'appropriation culturelle (qui peut être problématique) de l'échange et du dialogue interculturel (qui sont enrichissants). L'appropriation culturelle est souvent critiquée lorsqu'elle est pratiquée par des personnes issues d'une culture dominante qui s'approprient des éléments d'une culture minoritaire sans en comprendre le sens ni en reconnaître la valeur.

Des exemples d'appropriation culturelle contestés incluent l'utilisation de motifs traditionnels par des marques de mode sans reconnaissance ni compensation envers la culture d'origine. En revanche, il existe des exemples plus positifs où l'échange est respectueux et enrichissant, par exemple lorsque des artistes collaborent avec des communautés autochtones pour créer des œuvres qui célèbrent leur culture et leur savoir-faire. La clé réside dans la reconnaissance et la valorisation de la culture d'origine. Le concept de "restitution" des œuvres d'art aux pays d'origine est également un sujet de débat important dans ce contexte. Le musée du Quai Branly à Paris a restitué plusieurs œuvres à des pays africains.

• Respect du contexte culturel
• Intention de l'artiste
• Dialogue interculturel
• Reconnaissance de la culture d'origine

Dans certains cas, le concept de "compensation" et de "reconnaissance" envers les cultures d'origine est mis en avant. Cela peut prendre la forme de dons financiers, de collaborations artistiques ou de la promotion de la culture d'origine. L'objectif est de créer un échange équitable et respectueux qui bénéficie à toutes les parties prenantes. L'UNESCO joue un rôle important dans la promotion du dialogue interculturel et la protection du patrimoine culturel immatériel.

Le droit d'auteur

Le droit d'auteur protège les œuvres originales de l'esprit, conférant à leur auteur des droits exclusifs sur leur utilisation. Cependant, la notion d'"utilisation équitable" (fair use) ou les exceptions au droit d'auteur, qui varient selon les pays, permettent certaines formes d'appropriation sans autorisation de l'auteur original. La limite entre utilisation équitable et violation du droit d'auteur est souvent floue et sujette à interprétation, ce qui donne lieu à de nombreux litiges. L'Union Européenne travaille à harmoniser les lois sur le droit d'auteur.

Plusieurs cas concrets de litiges en matière d'appropriation artistique ont été portés devant les tribunaux, notamment le procès de Jeff Koons pour son utilisation d'une photographie publicitaire dans son œuvre "String of Puppies". Ces affaires illustrent la difficulté d'établir une ligne claire entre inspiration, plagiat et appropriation. La justice doit prendre en compte la nature de la transformation, l'impact sur le marché de l'œuvre originale et l'intention de l'artiste. En 2019, Jeff Koons a été condamné à verser 170 000 euros pour plagiat.

Déterminer si une œuvre relève de l'inspiration légitime ou du plagiat pur et simple est un défi constant. L'inspiration est généralement considérée comme un point de départ, une influence qui stimule la créativité de l'artiste. Le plagiat, en revanche, consiste à copier l'œuvre d'autrui sans autorisation et sans transformation significative. L'appropriation se situe quelque part entre les deux, impliquant une transformation qui crée une nouvelle œuvre, mais en s'appuyant sur une œuvre existante. Le concept d'"originalité" est donc au cœur du débat.

L'originalité et la créativité

L'appropriation est-elle un obstacle à l'originalité, ou peut-elle au contraire la stimuler ? C'est une question qui divise les artistes, les critiques et les juristes. Certains soutiennent que l'appropriation encourage le recyclage d'idées et nuit à la création de nouvelles œuvres. D'autres affirment qu'elle permet de réinterpréter le passé, de questionner les conventions et de créer de nouvelles significations. L'originalité peut être définie comme la capacité à créer quelque chose de nouveau et d'unique, mais cette définition est elle-même sujette à interprétation.

L'originalité ne réside pas forcément dans la création "ex nihilo", mais dans la transformation et la réinterprétation. Un artiste peut s'approprier une œuvre existante et la transformer de manière si radicale qu'elle devient une œuvre nouvelle et originale. L'originalité réside alors dans le regard de l'artiste, dans sa capacité à donner un nouveau sens à l'œuvre appropriée. La créativité est la capacité à imaginer et à réaliser quelque chose de nouveau et de différent. Elle est essentielle à l'innovation dans tous les domaines, y compris l'art.

Le respect de l'œuvre originale et de son auteur

L'appropriation peut-elle dénaturer l'œuvre originale ? Comment équilibrer la liberté artistique et le respect du travail d'autrui ? Ces questions sont au cœur du débat sur l'appropriation. Il est essentiel de prendre en compte l'intention de l'artiste, la nature de la transformation et l'impact sur l'œuvre originale. Le respect de l'œuvre originale implique de ne pas la déformer, de ne pas la dénaturer et de ne pas en altérer le sens. La liberté artistique, quant à elle, permet à l'artiste d'exprimer sa vision du monde de manière créative et personnelle.

La transformation significative et l'ajout de valeur à l'œuvre originale sont des éléments importants pour justifier l'appropriation. Si l'artiste se contente de copier l'œuvre originale sans apporter de contribution significative, cela peut être considéré comme un plagiat. En revanche, si l'artiste transforme l'œuvre de manière créative et apporte une nouvelle perspective, l'appropriation peut être considérée comme légitime. La valeur ajoutée peut prendre de nombreuses formes, telles que l'humour, la critique, la réflexion ou l'innovation.

• Transformation significative de l'œuvre originale
• Ajout de valeur à l'œuvre originale
• Respect du droit d'auteur

La réception de l'œuvre appropriée

La manière dont le public perçoit et interprète l'œuvre appropriée est un élément clé à prendre en compte. Le contexte de réception et la connaissance de l'œuvre originale influencent la compréhension de l'œuvre appropriée. Si le public ignore l'œuvre originale, il risque de ne pas saisir les subtilités et les références de l'œuvre appropriée. La réception de l'œuvre est également influencée par les préjugés et les opinions personnelles du spectateur. Les réseaux sociaux jouent un rôle important dans la diffusion et la réception de l'art.

• Contexte historique et culturel
• Connaissance de l'œuvre originale
• Intention de l'artiste
• Réaction du public

Les perspectives critiques sur l'appropriation sont diverses : certaines sont positives, considérant l'appropriation comme un moteur de créativité et de critique sociale ; d'autres sont négatives, dénonçant le manque d'originalité et le risque de plagiat ; d'autres encore sont ambivalentes, reconnaissant à la fois les avantages et les inconvénients de l'appropriation. Le débat sur l'appropriation est donc loin d'être clos. Les critiques d'art jouent un rôle important dans l'analyse et l'interprétation des œuvres d'art.

Jeff koons

Jeff Koons est un artiste américain né en 1955, connu pour ses œuvres d'appropriation les plus controversées. Il a été impliqué dans plusieurs litiges juridiques pour son utilisation d'images préexistantes, notamment son œuvre "String of Puppies" qui reproduisait une photographie publicitaire. Koons revendique une approche conceptuelle qui critique la culture de masse et les valeurs consuméristes. Son travail est souvent considéré comme kitsch et provocateur. Le prix de vente de ses œuvres atteint des sommets.

L'œuvre de Koons remet en question la notion d'originalité et la valeur accordée à l'œuvre unique. En s'appropriant des images populaires et en les reproduisant à grande échelle, Koons interroge notre relation à la culture de masse et à la propriété intellectuelle. Son travail suscite l'admiration et la critique, mais il ne laisse personne indifférent. En 2013, son œuvre "Balloon Dog (Orange)" a été vendue pour 58,4 millions de dollars.

• Critique de la culture de masse
• Remise en question de l'originalité
• Provocation et kitsch

Shepard fairey (OBEY)

Shepard Fairey, également connu sous le nom d'OBEY, est un artiste de street art américain né en 1970, dont l'œuvre la plus célèbre est le poster "Andre the Giant Has a Posse". Ce projet, qui a débuté comme une blague, a rapidement pris une ampleur considérable et est devenu un symbole de la culture alternative. Fairey utilise l'iconographie et la propagande pour diffuser ses messages politiques et sociaux. Son travail est souvent associé au mouvement de l'art urbain.

Le projet OBEY explore les mécanismes de la propagande et de la manipulation des masses. En s'appropriant des images et des symboles, Fairey crée une œuvre qui interroge notre perception de la réalité et notre capacité à penser par nous-mêmes. Son travail est à la fois artistique et politique, et il suscite le débat sur le rôle de l'art dans la société. En 2008, Fairey a créé le poster "Hope" pour la campagne présidentielle de Barack Obama.

Cory arcangel

Cory Arcangel est un artiste américain né en 1978, qui travaille avec les technologies numériques obsolètes. Il s'approprie l'esthétique du bug et du glitch pour créer des œuvres qui interrogent notre relation à la technologie et à la culture numérique. Arcangel utilise des jeux vidéo, des logiciels et des sites web pour créer des œuvres à la fois humoristiques et critiques. Son travail est souvent associé au mouvement du net art.

Le travail d'Arcangel met en lumière la fragilité et la fugacité de la culture numérique. En s'appropriant des technologies obsolètes, il nous invite à réfléchir à l'impact de la technologie sur notre vie et sur notre perception du monde. Son œuvre est à la fois nostalgique et prospective, et elle suscite le débat sur l'avenir de l'art à l'ère du numérique. En 2011, Arcangel a exposé son œuvre "Photoshop CS: 110 by 72 inches, 300 DPI, RGB, alpha channel, optimized, blaat" au Whitney Museum of American Art.

En 2002, Cory Arcangel vend son oeuvre "Super Mario Clouds" pour la somme de 30,000 dollars. Une performance qui repense complètement le jeu originel et l'intègre pleinement dans le monde de l'art contemporain.

El anatsui : réappropriation culturelle réussie

El Anatsui, né en 1944 au Ghana, est un sculpteur qui transcende les frontières entre l'art et l'artisanat. Il est célèbre pour ses sculptures monumentales réalisées à partir de matériaux recyclés, notamment des capsules de bouteilles d'alcool et des étiquettes en aluminium provenant de décharges locales. Ces matériaux sont transformés en tapisseries scintillantes qui évoquent à la fois les textiles traditionnels africains, tels que les kentés, et les draperies royales européennes. Anatsui a exposé ses œuvres dans le monde entier, contribuant à la reconnaissance de l'art africain sur la scène internationale.

L'appropriation chez El Anatsui ne se limite pas à l'utilisation de matériaux récupérés ; elle englobe une réinterprétation des traditions culturelles africaines et européennes. En transformant des déchets en œuvres d'art, il donne une nouvelle vie à des objets abandonnés et interroge notre rapport à la consommation et au gaspillage. Son travail est une célébration de la créativité humaine et de la capacité de transformer le banal en extraordinaire. En 2013, il a reçu le Praemium Imperiale, l'un des prix les plus prestigieux du monde de l'art.

• Réutilisation de matériaux recyclés.
• Inspiration des traditions africaines.
• Remise en question des normes de consommation.

El Anatsui a exposé ses œuvres dans les plus grands musées du monde, notamment au Metropolitan Museum of Art de New York et au Centre Pompidou à Paris. Son travail est une source d'inspiration pour de nombreux artistes et il contribue à sensibiliser le public aux enjeux environnementaux et culturels. Son parcours montre comment l'appropriation artistique peut être une force positive pour la création et le dialogue interculturel. Ses sculptures sont composées de milliers de pièces assemblées à la main, créant des motifs complexes et fascinants.

En 2015, El Anatsui a reçu le Lion d'Or pour l'ensemble de sa carrière à la Biennale de Venise. Une reconnaissance de son engagement envers l'art et l'environnement. Il a déclaré : "L'art est une façon de donner un sens au monde". Son travail est un exemple de la manière dont l'art peut être utilisé pour sensibiliser le public aux problèmes sociaux et environnementaux.

• Reconnaissance internationale
• Engagement envers l'environnement
• Célébration de la créativité humaine